Французская живопись в конце XIX века (5 видео)

Содержание

Реализм в французской живописи 19 века
Жан Батист Камиль Коро
Оноре Домье
Французская живопись в конце XIX века
Винцент Ван-Гог (1853-1890) прожил короткую драматическую жизнь
Смотреть на видео искусство Франции 19 века
Краткая история французского искусства
Le Fugetif, 1977
Интересное о мире
Живопись
💡 Видео

Видео:Французская живопись XIX-XX вв.Скачать

Реализм в французской живописи 19 века

С конца XVIII в. Франция играла главную роль в общественно-политической жизни Западной Европы. XIX в. ознаменовался широким демократическим движением, охватившим почти все слои французского общества.

За революцией 1830 г. последовала революция 1848 г. В 1871 г.

народ, провозгласивший Парижскую коммуну, сделал первую в истории Франции и всей Западной Европы попытку завладеть политической властью в государстве.

Критическая обстановка, сложившаяся в стране, не могла не повлиять на мироощущение людей. В эту эпоху передовая французская интеллигенция стремится найти новые пути в искусстве и новые формы художественного выражения. Именно поэтому в живописи Франции реалистические тенденции обнаружились намного раньше, чем в других западноевропейских странах.

Революция 1830 г. принесла в жизнь Франции демократические свободы, которыми не преминули воспользоваться художники-графики.

Острые политические карикатуры, нацеленные против правящих кругов, а также пороков, царящих в обществе, заполнили страницы журналов «Шаривари», «Карикатюр». Иллюстрации для периодических изданий выполнялись в технике литографии.

В жанре карикатуры работали такие художники, как А. Монье, Н. Шарле, Ж. И. Гранвиль, а также замечательным французский график О. Домье.

Важную роль в искусстве Франции в период между революциями 1830 г. и 1848 г. сыграло реалистическое направление в пейзажной живописи — т. н. барбизонская школа. Этот термин идет от названия маленькой живописной деревушки Барбизон недалеко от Парижа, куда в 1830-1840-х гг.

приезжали многие французские художники для изучения натуры.

Не удовлетворенные традициями академического искусства, лишенного живой конкретности и национального своеобразия, они стремились в Барбизон, где, внимательно исследуя все изменения, происходящие в природе, писали картины с изображением скромных уголков французской природы.

Хотя произведения мастеров барбизонской школы отличаются правдивостью и объективностью, в них всегда чувствуется настроение автора, его эмоции и переживания. Природа в ландшафтах барбизонцев не кажется величественной и отстраненной, она близка и понятна человеку.

Нередко художники писали одно и то же место (лес, реку, пруд) в разное время суток и при разных погодных условиях.

Выполненные на открытом воздухе этюды они перерабатывали в мастерской, создавая цельную по композиционному построению картину.

Очень часто в законченной живописной работе исчезала свежесть красок, свойственная этюдам, поэтому полотна многих барбизонцев отличались темным колоритом.

Крупнейшим представителем барбизонской школы был Теодор Руссо, который, будучи уже известным пейзажистом, отошел от академической живописи и приехал в Барбизон. Протестовавший против варварской вырубки лесов, Руссо наделяет природу человеческими качествами. Он сам говорил о том, что слышит голоса деревьев и понимает их.

Прекрасный знаток леса, художник очень точно передает строение, породу, масштабы каждого дерева («Лес Фонтенбло», 1848-1850; «Дубы в Агремоне», 1852). В то же время произведения Руссо показывают, что художник, манера которого сформировалась под влиянием академического искусства и живописи старых мастеров, не смог, как ни старался, решить проблему передачи световоздушной среды.

Поэтому свет и колорит в его пейзажах чаще всего носят условный характер.

Искусство Руссо оказало большое влияние на молодыгх французских художников. Представители Академии, занимавшиеся отбором картин в Салоны, старались не допустить работы Руссо на выставки.

Известными мастерами барбизонской школы были Жюль Дюпре, в пейзажах которого присутствуют черты романтического искусства («Большой дуб», 1844-1855; «Пейзаж с коровами», 1850) , и Нарсис Диаз, населивший лес Фонтенбло обнаженными фигурами нимф и античным богинь («Венера с амуром», 1851).

Представителем младшего поколения барбизонцев являлся Шарль Добиньи, начавший свой творческий путь с иллюстраций, но в 1840-х гг. посвятивший себя пейзажу.

Его лирические ландшафты, посвященные непритязательным уголкам природы, наполнены солнечным светом и воздухом. Очень часто Добиньи писал с натуры не только этюды, но и законченные картины.

Он построил лодку-мастерскую, на которой плыл по реке, останавливаясь в самых привлекательным местах.

https://www.youtube.com/watch?v=bhNUWR1Kc5M

К барбизонцам быт близок крупнейший французский художник XIX в. К. Коро.

Жан Батист Камиль Коро

Камиль Коро — французский живописец и график, мастер портрета и пейзажа, является одним из основоположников французской школы пейзажа XIX в.

Родился в Париже в 1796 г. Был учеником А. Мишаллона и Ж. В. Бертена — художников-академистов. Первоначально придерживался общепринятой точки зрения, что высоким искусством является только пейзаж с историческим сюжетом, взятым преимущественно из античной истории или мифологии.

Однако после посещения Италии (1825) его взгляды резко меняются, и он начинает поиск иного подхода к действительности, что сказывается уже в ранних работах («Вид на Форум», 1826; «Вид Колизея», 1826).

Необходимо заметить, что этюды Коро, где он меняет свое отно¬шение к характеру освещения и цветовым градациям, передавая их более реально, — своеобразным толчок в развитии реалистического пейзажа.

Однако, несмотря на новым принцип письма, Коро посытает в Салон картины, отвечающие всем канонам академической живописи. В это время в творчестве Коро намечается разрыв между этюдом и картиной, который будет характеризовать его искусство на протяжении всей жизни.

Так, произведения, направляемые в Салон (среди которым «Агарь в пустыне», 1845; «Гомер и пастушки», 1845), говорят о том, что художник не только обращается к античным сюжетам, но и сохраняет композицию классического пейзажа, что тем не менее не мешает зрителю узнать в изображенной местности черты французского ландшафта.

Вообще такое противоречие было вполне в духе той эпохи.

Очень часто новшества, к которым Коро постепенно приходит, ему не удается скрыть от жюри, поэтому его картины часто отвергаются.

Особенно сильно новаторство чувствуется в летних этюдах мастера, где он стремится передать различные состояния природы в тот или иной период времени, наполняя пейзаж светом и воздухом.

Первоначально это были преимущественно городские виды и композиции с архитектурными памятниками Италии, куда он вновь отправляется в 1834 г. Так, например, в пейзаже «Утро в Венеции» (ок. 1834) прекрасно переданы солнечным свет, синева неба, прозрачность воздуха.

При этом сочетание света и тени не разбивает архитектурных форм, а наоборот, как бы моделирует их. Фигурки людей с отходящими от них длинными тенями на заднем плане придают пейзажу ощущение почти реальной пространственности.

Позднее живописец будет сдержаннее, его заинтересует более скромная природа, однако больше внимания он будет уделять различным ее состояниям.

Чтобы добиться необходимого эффекта, цветовая гамма Коро станет тоньше, легче и начнет выстраиваться на варьировании одного и того же цвета.

В этом отношении характерны такие произведения, как «Колокольня в Аржантёе», где нежная зелень окружающей природы и влажность воздуха очень тонко, но в то же время с большой достоверностью передают прелесть весны, «Воз сена», в котором ощутим радостный трепет жизни.

Примечательно, что Коро оценивает природу как место, где живет и действует простой человек. Другая особенность его пейзажа — то, что он всегда является отражением эмоционального состояния мастера. Поэтому пейзажные композиции лиричны (упомянутая выше «Колокольня в Артанжёе») или, наоборот, драматичны ( этюд «Порыв ветра», ок. 1865-1870).

Полны поэтического чувства фигурные композиции Коро.

Если в ранних работах человек кажется несколько отстраненным от окружающего его мира («Жница с серпом», 1838), то в поздних произведениях образы людей
неразрывно связаны со средой, в которой они находятся («Семья жнеца», ок. 1857).

Кроме пейзажей, Коро создавал и портреты. Особенно хороши женские образы, чарующие своей естественностью и живостью. Художник писал только духовно близких себе людей, поэтому его портреты отмечены чувством искренней симпатии автора к модели.

К. Коро. Порыв ветра. Ок. 1865-1870 гг.

Коро был не только талантливым живописцем и графиком, но и хорошим учителем для молодых художников, надежным
товарищем. Примечателен такой факт: когда у О. Домье не было средств, чтобы оплатить аренду своего дома, Коро выкупил этот дом, а затем подарил его другу.

К. Коро. Эмма Добиньи в греческом костюме. 1868-1870 гг.

https://www.youtube.com/watch?v=qCELIAkeeRg

Умер Коро в 1875 г., оставив после себя огромное творческое наследие — около 3000 живописных и графических работ.

Оноре Домье

Оноре Домье, французский график, живописец и скульптор, родился в 1808 г. в Марселе в семье стекольщика, писавшего стихи. В 1814 г., когда Домье исполнилось шесть лет, его семья переехала в Париж.

Свою трудовую деятельность будущий художник начал с должности клерка, потом работал продавцом в книжном магазине. Однако его вовсе не интересовала эта работа, он предпочитал все свободное время бродить по улицам и делать зарисовки.

В скором времени юный художник начинает посещать Лувр, где изучает античную скульптуру и работы старых мастеров, из которых его в большей степени увлекают Рубенс и Рембрандт.

Домье понимает, что, изучая искусство живописи самостоятельно, он не сможет продвинуться далеко, и тогда (с 1822 г.) начинает брать уроки рисования у Ленуара (администратора Королевского музея).

Однако все преподавание сводилось к простому копированию гипсов, а это нисколько не удовлетворяло потребностей юноши. Тогда Домье бросает мастерскую и поступает к Рамоле учиться литографии, подрабатывая в то же время рассыльным.

Первые работы, которые были сделаны Домье в области иллюстрации, относятся к 1820-м гг. Они почти не сохранились, но то, что все же дошло до нас, позволяет говорить о Домье как о художнике, находящемся в оппозиции к официальной власти, представляемой Бурбонами.

Известно, что с первых дней правления Луи Филиппа юный художник рисует острые карикатуры как на него самого, так и на его окружение, чем создает себе репутацию политического борца.

В результате Домье замечает издатель еженедельника «Карикатюр» Шарль Филиппон и приглашает его к сотрудничеству, на что тот отвечает согласием. Первая работа, опубликованная в «Карикатюр» от 9 февраля 1832 г.

, — «Просители мест» — осмеивает прислужников Луи Филиппа. После нее одна за другой стали появляться сатиры на самого короля.

Из наиболее ранних литографий Домье особого внимания заслуживает «Гаргантюа» (15 декабря 1831), где художник изобразил толстого Луи Филиппа, поглощающего золото, отобранное у голодного и нищего народа. Этот лист, выставленный в витрине фирмы Обер, собрал целую толпу зрителей, за что правительство отомстило мастеру, приговорив его к шести месяцам заключения и штрафу в 500 франков.

Несмотря на то что ранние произведения Домье еще достаточно композиционно перегружены и воздействуют не столько выразительностью образа, сколько повествовательностью, в них уже намечен стиль.

Сам Домье это прекрасно осознает и начинает работать в жанре карикатурного портрета, при этом он пользуется весьма своеобразным методом: сначала вылепливает портретные бюсты (в которых характерные черты доводятся до гротеска), которые потом будут его натурой при работе над литографией.

В результате у него получались фигуры, отличающиеся предельной объемностью. Именно таким образом была создана литография «Законодательное чрево» (1834), на которой представлена следующая картинка: прямо перед зрителем на скамьях, расположенных амфитеатром, расположились министры и члены парламента Июльской монархии.

В каждом лице с убийственной точностью передано портретное сходство, при этом наиболее выразительна группа, где представлен Тьер, слушающий записку Гизо. Выставляя напоказ физическую и моральную неполноценность правящей верхушки, мастер приходит к созданию портретов-типов.

Свет в них играет особую роль, он подчеркивает стремление автора к наибольшей выразительности. Поэтому все фигуры даны при резком освещении (известно, что, работая над этой композицией, мастер ставил бюсты-модели под яркий свет лампы).

О. Домье. Законодательное чрево. 1834 г.

Видео:Французский импрессионизм за 22 минутыСкачать

Французская живопись в конце XIX века

В конце XIX века во французской живописи намечается резкое усиление индивидуалистических тенденций, связанное с кризисом реалистических традиций буржуазного общества.

Художники, выступившие вслед за импрессионистами, в 1880 — 1890 годах, используют новое понимание колорита, введенное их предшественниками, но протестуют против той пассивной верности оптическим впечатлениям, которая лежала в основе импрессионизма.

Они все решительней восстают против принципа объективного отображения реального мира и ищут новых средств передачи окружающей действительности. Но утрата единого эстетического критерия, общности метода приводила к тому, что их искусство неизбежно принимало субъективный характер.

В обстановке индивидуалистической разобщенности, свойственной наступившей эпохе, представители нового поколения не могли объединиться в крупных, стойких художественных направлениях. Каждый по-своему искал новых путей.

Быстро возникают и также быстро распадаются различные мелкие группировки, порождая ту пестроту, дробность, разнобой, которые столь характерны для художественной жизни Франции на рубеже двух столетий. Недаром этот период истории искусства получил довольно неопределенное название «постимпрессионизма».

Винцент Ван-Гог (1853-1890) прожил короткую драматическую жизнь

Он болезненно ощущал социальное зло современного общественного строя, остро чувствовал свое бессилие в борьбе с ним, свое творческое одиночество. На произведениях Ван-Гога лежит печать трагического мироощущения.

Образы реального мира неразрывно сплетены в них с переживаниями самого художника и выступают как носители его душевных драм, его тоски, надежд и отчаяния.

Отсюда повышенная красочность, лихорадочная динамика мазка, утрировка форм, придающие его картинам, будь то взволнованные пейзажи Арля («Куст», «Арльские дамы») или полный затаенной тревоги Оверньский ландшафт («Хижины»), страстную, напряженную одухотворенность.

Смотреть на видео искусство Франции 19 века

Видео:10 3 19 век Французский романтизм 1Скачать

Краткая история французского искусства

Французское искусство в нашем воображении — это мечтательные пейзажи импрессионистов, смелые и яркие работы великих живописцев 20-го века. А знаете ли вы, что большинство направлений в искусстве, которые мы ассоциируем с историей целой эпохи, впервые появились во Франции.

Точное определение начала «французского» искусства может оказаться невыполнимой задачей, но наскальные рисунки были обнаружены в пещере Ласко — «Сикстинской капелле первобытной живописи» еще 17 300 лет назад, что делает их одними из самых ранних художественных следов в истории человечества.

Искусно работали художники академической школы живописи и скульптуры, основанной в 1648 году и принадлежащие французскому двору.

В 1699 году академистами организована первая выставка в Лувре, которая продолжает действовать на протяжении следующих веков, а уже с 1725 года выставки проводятся в салоне Carré и понятие «салон» становится известным.

Это искусство навеяно национальными, международными вкусами и ложится в основу того, что сегодня мы знаем как традиционное европейское искусство. Начало Великой французской революции стало важным событием в истории Франции и искусства того времени.

Упадок школы академизма вместе с роспуском двора и его кардинальной реструктуризацией, дестабилизировали художественный центр страны и окунул художников того времени в атмосферу социальных переворотов и нововведений. Итак, начнем с бесспорного мастера неоклассицизма Жака-Луи Давида, остановимся на творчестве таких известных художников как Гюстав Курбе, Анри Матисс, Поль Гоген, Марсель Дюшан, и бегло рассмотрим французскую историю искусства с 18-го века до сегодняшних дней.

НЕОКЛАССИЦИЗМ

Жак Луи Давид

Клятва Горациев, 1784-1785

Лувр, Париж

В эпоху Просвещения и с началом Великой французской революции, важным становится композиционное равновесие, характерное для произведений, созданных художниками академического стиля живописи.

Неоклассицизм — это эстетическое направление в изобразительном искусстве, возродившее интерес к наследию античности и Ренессанса, к ясной пластической форме.

Самым видным художником того времени был Жак Луи Давид, который написал шедевр «Клятва Горациев» (1784-85) и «Сабинянки, останавливающие битву между римлянами и сабинянами» (1796-99).

Его неоконченное полотно «Клятва в зале для игры в мяч» (1790-94), изображает сумбурный энтузиазм, царивший в версальском зале при выступлении против короля, а картина «Смерть Марата» (1793) демонстрирует ужасное убийство революционного лидера Жана Поля Марата.

Позже, Давид будет создавать величественные портреты Наполеона, как «первый живописец Императора», его картины станут частью важнейшей агитационной программы по установлению нового режима. Этот же период приходится на рассвет художника Жана Огюста Доминика Энгра, ученика Давида, который разработал собственный уникальный стиль, далекий от точности академизма. В отличии от своих современников, он утрировал некоторые черты своих моделей, чтобы достичь идеальности и подчеркнуть выразительность форм, как в «Большой одалиске» (1814). РОМАНТИЗМ

Эжен Делакруа

Свобода, ведущая народ, 1830

Лувр, Париж

https://www.youtube.com/watch?v=jWY1Jq_fD4Q

Развивающийся примерно в тот же период и вытекающий из литературы того времени — романтизм, воспринимается более эмоционально и сокровенно из-за сюжетов исторических или мифологических картин неоклассицизма.

Воображение и внутренние ощущения стали движущими силами в работах, которые часто сосредоточены на природе и фантастических видах далеких земель. Теодор Жерико автор одних из самых известных произведений эпохи романтизма, в том числе «Плот «Медузы»» (1818-19 ), который показывает трагическое кораблекрушение 1816 года, где запечатлел подробности выживания.

Гигантское полотно впечатляет своей выразительной мощью. Жерико сумел создать яркий образ, соединив в одной картине мёртвых и живых, надежду и отчаяние. Картине предшествовала огромная подготовительная работа. Жерико делал многочисленные этюды умирающих в больницах и трупов казнённых. «Плот „Медузы“» стал последним из законченных произведений Жерико.

Современник Жерико — Эжен Делакруа изображал исторические моменты, свойственные неоклассикам, но при этом его картины наделены эмоциональным содержанием и неистово живым колоритом. Делакруа искал вдохновения на востоке, увлекался эпохой колониальной деятельности Франции.

Он также создал, пожалуй, самое культовое для французов полотно «Свобода, ведущая народ» (1830), которое демонстрирует развевающееся и триумфальное трехцветное знамя свободы, пережившее насильственный беспредел революции. РЕАЛИЗМ

Гюстав Курбе

Мастерская художника, 1855

Музей д’Орсе, Париж

После революционного переворота в середине 19 века началось стремление к эгалитаризму — концепции развития общества с равными политическими, экономическими и правовыми возможностями. Отдалившись от грандиозного неоклассицизма и эмоционального романтизма, художники сосредоточили свое внимание на повседневной жизни и обыденном труде населения Франции. Все чаще главными действующими лицами на картинах становились крестьяне, возделывающие землю, горожане в момент поклонения церкви, переполненные городские улицы. В этот период художник Гюстав Курбе — основоположник реализма — направления максимально точной фиксации действительности, представляет живопись с откровенными сценами нищеты и убогости, а также демонстрирует откровенную сексуальность, как например в его известном полотне «Происхождение мира» (1866). В 1870-е годы реализм разделился на два основных направления — натурализм и любимый многими импрессионизм. ИМПРЕССИОНИЗМ

Клод Моне

Сад художника, 1880

Национальная галерея искусств, Вашингтон

Конец 19 века во французском искусстве — это рассвет импрессионизма, основанного на свободной манере письма и экспериментальном новаторском подходе к свету и цвету, который шел в разрез с реалистичным представлением живописи.

Исторический период знаменит подъемом промышленности, высокими технологическими достижениями, которые прочно укореняются в повседневной жизни. Эта новая живопись впечатлений полностью завладела чувствами зрителей и показала новые возможности счастливой жизни. Основатели импрессионизма — Моне, Ренуар, Мане, Дега, Писсарро, Моризо, Кайботт за основу сюжета брали саму жизнь.

Здесь и туманные морские пейзажи, сады и сельскохозяйственные угодья, пикники и шумные танцевальные залы, бытовые интерьеры и многое другое. Формировался новый современный мир, где благодаря активному промышленному развитию появилось больше времени для отдыха и сельской местности и в быстро растущих городах.

Стоит отметить, что изначально стиль живописи импрессионистов высмеивался в высоком художественном сообществе, а позже обретает популярность и распространяется в других странах.

ПОСТИМПРЕССИОНИЗМ

Поль Гоген

Варварские сказки, 1902

Музей Фолькванг, Ессен, Германия

Постимпрессионизм, как направление сосредоточенное на выражении собственного субъективного опыта, возникло в конце 19-го века с французских художников Сезанна, Гогена, Сена и Ван Гога. При чем каждый из них творил в своем собственном стиле. Сера известен как пионер пуантилизма — это сложные изображения, сделанные из крошечных точек. Гоген и его яркие картины таитянской жизни становятся символом, который отбрасывает научные проблемы искусства и передает лишь индивидуальный эмоциональный опыт и ощущения художника. Художник — самоучка Анри Руссо написал свои смелые полотна экзотических пейзажей, например «Сон» — единственную работу, в которой сюжет осознано не реален и является полностью воображением автора. ФОВИЗМ

Анри Матисс

Испанка с бубном, 1909

Государственный музей изобразительных искусств им. А.С. Пушкина, Россия

Вдохновленный палитрой и стилем Сезанна, а также других постимпрессионистов, фовизм стал одним из самых ранних форм современного искусства. В переводе с французского «фовизм» означает «дикий», именно такие ассоциации возникли у одного французского критика при взгляде на живописные работы, представленные в осеннем салоне 1905 года. Фовистам свойственна динамичность мазка, стихийность его нанесения, стремление к эмоциональной силе и страсти. Ясность художественного восприятия создает яркий колорит, контраст, чистоту и резкость цветов. Ритмичность композиции всегда остра и резка. Яркими представителями и лидерами этого художественного направления стали Анри Матисс и Андре Дерен. Особенно хочется отметить «Испанку с бубном» кисти Анри Матисса. Эта композиция — яркий представитель фовистских картин. Фигура девушки прописана динамичным цветным контуром и добавляет контраст и глубину пространства. Это по-новаторски необычно и довольно экспрессивно. СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО XX ВЕКА

Le Fugetif, 1977

David Richard Gallery, Santa Fe

Творчество Матисса и Дерена добавили огня модернизму и французское искусство стало развиваться сразу в нескольких направлениях. Основными стали авангард и кубизм — это концептуальный геометрический взгляд на реальность, идейным вдохновителем которого стал Пабло Пикассо и Жорж Брак.

Основоположником авангардизма стал Марсель Дюшан, известный своими новаторскими реди-мэйдами. Он преуспел в кубизме, дадаизме — новом авангардистском течении и сюрреализме. Художник Жан Дюбуффе в 1944 году проводит свою первую персональную выставку в парижской галерее Р.Друэна.

Чуть позже сближается с сюрреалистами и становится отцом такого направления в живописи как ар брют — «грубого» и«сырого» искусства, очень близкого к любительской живописи детей, самоучек, душевнобольных. Здесь отсутствуют общепринятые эстетические нормы и используются любые подручные материалы.

В Европе реакцией на популярность абстрактного экспрессионизма стало искусство информализма, которое представляли французские живописцы Пьер Сулаж и Жорж Матье. А в 60-х зародился новый реализм, как художественный стиль с элементами американского поп-арта и неодадаизма.

СОВРЕМЕННОЕ ИСКУССТВО

Софи Калле

проект “Take Care of Youself”, 2007

La Virreina Image Center, Barcelona

На французском современном искусстве лежит отпечаток прошлого. В то время пока развивались различные стили и направления, в художественной среде нарастал интерес к психологии личности и природе существования мира. Известные французские художники второй половины 20 века — это Кристиан Болтански, который как и Дюшан, часто работает с найденными объектами, фотохудожник Софи Калле, чьи концептуальные работы наполнены глубокими интимными переживаниями, Пьер Уиг и его мультимедийные проекты, включающие в себя живых существ всех видов (последние инсталляции включают скульптуры с жужжанием живой пчелиной семьи в саду МоМА и аквариум с рыбой угрем, расположивший на крыше). По материалам www.artsy.net

Видео:Почему картины изменились в XIX веке — история живописиСкачать

Интересное о мире

Стиль ампир в искусстве Франции
Западноевропейское искусство XIX века. В начале века в архитектуре господствует ампир — художественный стиль, созданный во Франции в эпоху установления империи Наполеона Бонапарта.

Хронологические рамки стиля Империи небольшие — от конца правления Директории 1799 года до реставрации во Франции власти Бурбонов в 1815 г. Наполеон стремился к тому, чтобы время его правления сравнивали с эпохой Римской империи.

Поэтому если классицизм ориентировался на греческую античность, то ампир — на искусство императорского Рима, а после похода в Египет 1798-1799 гг. на культуру Древнего Египта.

В отличие от классицизма, ампир строил композицию зданий на контрасте гладкой поверхности стены и узких орнаментальных поясов в местах, подчеркивающих конструкцию. Если для классицизма были характерны мягкие, приглушенные цвета, то для ампира — красные, синие, белые с золотым.

Ж.Б. Лenep, Ж. Гондуэн. Колонна на Вандомской площади. 1806-1810 гг.

https://www.youtube.com/watch?v=6kSWpZXYOHA

Ампир (фр. empire — империя) — стиль в архитектуре, декоративноприкладном и изобразительном искусстве первой трети XIX в., завершающая фаза классицизма, созданный во Франции в эпоху Наполеона Бонапарта. Черты стиля: парадное великолепие, ориентация на формы искусства императорского Рима.

В античности ампир черпал, с одной стороны, монументальность, лаконизм, а с другой — идею утверждения имперского величия через посредство многочисленных атрибутов и символов.

Широкое распространение в архитектуре получили массивные портики дорического и тосканского ордера, контрастирующие с гладью стен и геометризмом объемов, поверхность зданий была украшена военной атрибутикой, главным образом римского происхождения (ликторские связки, пучки стрел, легионерские знаки с орлами, доспехи, венки, геральдические орлы и т.п.).

Пластические особенности древнеегипетского искусства подсказали мастерам ампира активное использование больших нерасчлененных поверхностей стен, геометрическую правильность цельных объемов зданий, массивность пилонов и колонн. Для ампира харктерными стали древнеегипетские орнаменты, изображения сфинксов.

Ампир служил возвеличению власти оформлением интерьера, драпировками стен, балдахинами, монументальными кроватями, затканной золотом обивкой мебели, украшенными бронзой массивными зеркалами. Мебельщики создавали кубической формы шкафы, короткие кушетки с высоким, плавно изогнутым изголовьем — т.н. «рекамье», маленькие круглые столы на одной ножке. Излюбленным материалом мебельщиков было красное дерево с бронзовыми накладками.

Фриз из медальонов с пальметтами времен Наполеона

Живопись

Великим французским живописцем ампира был Жан Огюст Доминик Энгр (1780-1867). Ученик Давида, Энгр в 1806-1824 гг. жил и работал в Италии. В 1834 г. был назначен директором Французской Академии.

Энгр создавал картины на литературные и мифологические сюжеты, среди которых «Юпитер и Антиопа», «Апофеоз Гомера». Портреты Энгра отличает точность наблюдений, глубина психологической характеристики («Мадам Девосс»).

Особую роль в творчестве Энгра играл гибкий, линейный рисунок.

Ж. О. Доминик Энгр. Источник. 1856 г.

Ж. О. Доминик Энгр. Мадам Девосс. 1807 г.

Романтизм в европейском искусстве

«Первыми среди людей всегда будут те, кто сможет создать бессмертные вещи из листка бумаги, полотна, мрамора или звуков» А. де Виньи«Безумная, пламенная, до крайности возбужденная эпоха», — определял это время Теофиль Готье.

Все чувства здесь обострены до предела и находятся в непрерывном напряжении, любое переживание мгновенно принимает самые крайние формы и ищет себе обнаженного драматического воплощения, лихорадочные всплески энергии и порывы к действию сменяются безнадежной усталостью и апатией — и все это почти неизбежно окрашено мрачными тонами горечи и пессимизма.

Романтическое искусство характеризуется резким разрывом идеала и действительности. Романтики отчетливо сознавали свое враждебное отношение к стяжательской, мещанской жизни. Находясь в оппозиции к буржуазному обществу, романтики не принимали и служащее ему искусство.

Т. Жерико. Офицер императорских егерей во время атаки. 1812 г.

Т. Жерико. Плот «Медузы». 1818-1819 гг.

Т. Жерико. Сумасшедшая «Гиена Сальпетриера». 1822 г.

Впервые термин «романтизм» применительно к живописи был применен в некрологе рано умершего художника Теодора Жерико (1791-1824), создателя таких картин, как «Офицер конных стрелков перед атакой», «Раненый кирасир, уходящий с линии огня» 1812- 1814 гг.

Тема его картины «Плот Медузы» — гибель пассажирского корабля по вине морского пароходства, отправившего в плавание негодный корабль. Она привлекла широкое внимание общественности, обвинившей в катастрофе политический режим Реставрации.

Эжен Делакруа (1798-1863) создавал полотна, сюжеты которых типичны для романтизма, отвергающего жизненный материал «низкой» действительности. Делакруа вводит в живопись новые средства реалистического познания мира.

855 картин, больше полутора тысяч акварелей и пастелей, более 6 тысяч рисунков посвящены, как у Бальзака, одной теме: утверждению права нового человека на активное познание жизни, полноту жизневосприятия. Делакруа по-новому ставит вопрос о границах искусства, он отстаивает принцип «многообразия прекрасного».

Картина Делакруа «Резня на Хиосе» посвящена одному из эпизодов освободительной борьбы Греции от турецкого ига, темой «Сарданапа- ла» послужила трагедия Байрона об ассирийском царе. «Свобода, ведущая народ» показывает повстанцев на развалинах баррикад среди мертвых тел погибших товарищей.

В картине сочетаются достоверность факта и символичность образов, реализм, доходящий до натурализма, и идеальная красота.

Э. Делакруа. Автопортрет. 1824 г.

Э. Делакруа. Свобода на баррикадах. 1830 г.

https://www.youtube.com/watch?v=dkHmDhdmcXc

Эстетика романтизма со свойственным ей историзмом мышления отрицала наличие вечного неизменного канона красоты, незыблемость исторических критериев, завещанных античностью.Весь мир представал в художественном видении романтиков разорван но.

С одной стороны, это были унылые серые будни, с другой — уникальные, яркие моменты человеческой жизни. Свойственное художественному сознанию романтиков двоемирие приводило к противопоставлению дня, в котором человек задавлен бременем обыденности, и ночи, когда он по-настоящему принадлежит самому себе.

Ночной пейзаж стал популярен в живописи, особенно у немецкого художника Каспара Давида Фридриха (1774-1840).Пейзаж становится одним из самых популярных жанров живописи романтиков, которых привлекает контраст между грандиозностью природы и смятенной душой одинокого человека.

Так, Делакруа пишет в своем дневнике: «…я подумал о моем ничтожестве перед лицом этих повисших в пространстве миров». Излюбленный тип романтического пейзажа — сумрачный и бурный, где все находится во власти бунтующих стихий, грозит необратимыми катастрофами.

В творчестве романтиков есть немало образов бурной природы, соответствующих смятенности чувств и мятежности духа романтических героев. Таково бушующее море в картинах «После кораблекрушения» Делакруа и «Плот Медузы» Жерико.

Меццо-тинто, или черная манера.

К. Д. Фридрих. Двое, созерцающие луну. 1819-1820 гг.

К. Д. Фридрих. Женщина у окна. Ок. 1818-1822 гг.

К. Д. Фридрих. Монастырское кладбище в снегу. 1819 г.

В этой технике гравюра была впервые выполнена в 1642 г. Специальным инструментом на доску наносятся многочисленные углубления так, что она приобретает шероховатость и при печати получается глубокий бархатистый тон.Рисунок выглаживается и шлифуется.

При этом чем сильнее выглаживается доска, тем слабее пристает к ней краска, в оттиске эти места оказываются более светлыми. Меццо- тинто дает около 22 оттисков.Носителями стихии естественной свободы выступали у романтиков животные.

Изображения лошадей в картинах Жерико и Делакруа «Дерущиеся кони», скульптурах Клодта были одной из любимых тем искусства романтизма.

Неприятие действительности побуждало романтиков к бегству от нее. Восток приобрел для них притягательность мечты.

Романтическому ориентализму отдал должное Делакруа в полотнах, написанных в Алжире и Марокко. Делакруа любил Байрона, он написал ряд произведений по мотивам произведений Байрона на восточные мотивы («Смерть Сарданапала», «Битва гяура и паши», «Абидосская невеста»).

Ф.О. Руте. Мы втроем. Автопортрет с женой и братом. 1805 г.

Романтическая интроспекция отразилась и в портретах Жерико, Делакруа, Кипренского, Рунге. Для них было характерно стремление выявить в человеке внутренний мир. Так, Делакруа пишет Шопена в состоянии внутренней сосредоточенности, композитор как будто прислушивается к рождающейся внутри музыке.

Жизнь человеческого духа преобладает у художника над интересом к чувственной выразительности образа. Немецкий художник Рунге в семейном портрете «Мы втроем» изобразил себя, свою жену и брата. В России Кипренский стал писать интимные портреты, стремясь раскрыть богатство душевной жизни человека.Особое место в искусстве романтизма и всего XIX в.

занимает творчество испанского художники Франсиско Гойии-Лусьентес (1746 1828).Гойя родился в Фуентодосе, около Сарагосы. Его картины начала 70-х гг. XVIII в. показывают хорошее овладение традициями барокко, но по этим вещам будущее Гойи предсказать трудно. Благодаря протекции земляка и будущего шурина Байеу, в 1775 г.

Гойя получил задание изготовить первые образцы гобеленов для королевской мануфактуры св. Варвары. В 1779 г. он был принят королем Карлом III, в 1780 г. был избран в Академию.

На искусство Гойи оказали влияние, творчество Веласкеса, несколько картин которого он гравировал, а также работа над образцами для гобеленов.

Темы, назначенные для гобеленов, носили народный характер и были взяты из современной жизни, и Гойя получил возможность дать выход своей фантазии.

Ф. Гойя. Автопортрет. 1799 г.

Ф. Гойя. Какое мужество! Из серии «Бедствия войны». 1808 г.

https://www.youtube.com/watch?v=dJ3uX6XPp4Q

После смерти Карла III и восшествия на престол в 1789 г. Карла IV Гойя стал придворным художником, успешным, заваленным заказами. В 1792 г. Гойя перенес тяжелую болезнь, в результате которой он потерял слух. Результатом пережитых потрясений стала большая глубина его искусства. В 1794 г.

он писал: «Чтобы занять воображение, подавленное зрелищем моих страданий, и частично покрыть многочисленные, связанные с болезнью расходы, я принялся писать серию картин, в которых много места отведено наблюдениям, что, как правило, невозможно в заказных работах, где негде развернуться ни прихоти, ни фантазии». Среди этих картин — «Суд инквизиции».

Первое крупное произведение Гойи — серия «Капричос», в которую включено 80 гравюр, изображающих жизнь Испании. Каждый лист сопровождается названием и комментарием. В облике «ослиного братства» представлены верхи Испании. Гойя использует новую в то время технику акватинты, позволяющей передать богатство оттенков цвета.

Вторая серия гравюр назвала Гойей «Бедствия войны», большинство событий, изображемых художником, документальны. Всего в серии 82 листа. Характерны надписи листов серии: «Варвары!», «Какое мужество!», «Я видел это».

Ф. Гойя. Портрет Исабель Кобос де Порсель. 1806 г.

Ф. Гойя. Портрет семьи короля Карла IV. 1800 г.

Ф. Гойя. Способ летать. Из серии «Деспаратес». 1814-1819 гг.

Последней серией гравюр стала серия «Деспаратес», включающая 18 листов. В «Деспаратес» изображены сложные символы, чудовищные образы, монстры, которые сосуществуют с людьми. Гойя в этой серии достигает предельной силы выразительности.

Про мир Гойи Бодлер писал: «Большая заслуга Гойи заключается в правдоподобии созданного им чудовищного мира. Его чудовища родились жизнеспособными, гармоничными. Никто не посмел дальше, чем он, пойти по пути возможного абсурда.

Все эти искривленные фигуры, эти зверские лица, эти дьявольские гримасы пронизаны человечностью».